“Todos os processos são sagrados se interiormente necessários”
W.Kandinsky, Du spirituel dans l’art

 

Diante das esculturas de Gloria Pessego as sólidas massas dos volumes que as constituem desaparecem. O bronze perde a materialidade, nos convidando à plasticidade dos objetos em si; a escutar os ilêncio dos volumes que parecem brotar no espaço em contorções de suave e harmonia. Em cada uma de suas esculturas podemos observar como a superfície se movimenta discreta, em calma evoluçāo: as formas se insinuam sensual e sedutoramente, como a melodia de um adágio. Protuberâncias, arestas e reentrâncias individualizam, apesar da multiplicidade, a obra desta original artista. Há uma grande unidade no conjunto, embora cada uma das peças guarde a sua particularidade.

Gloria Pecego sabe tirar do material que trabalha – o barro – a expressão

desejada. O domínio da técnica, favorecido pelo conhecimento do ofício lhe permite alcançar resultados extremamente originais, em formas tão simples. A matéria transfigurada, ganha expressividade no brilho fosco da pátina e do metal polido. Se desmaterializa, deixando o bronze em estado de fantasia; de forma desejada.

A mesma pátina que vela a matéria, revela a forma em sua plenitude. Soberbas na imobilidade, as esculturas de Gloria Pecego interferem no espaço adjacente, gerando tensão contida em cada movimento. Assim instigam, atraem o espectador; prendem o olhar. A tensão contida em cada uma das formas, parte de um detalhe, irradia e toma toda a superfície do volume. Há algo superior nestes objetos; algo inconcluso que a matéria não é suficiente para satisfazer ao espectador. As palavras do crítico também. Estas esculturas aspiram a condição abstrata da música.

Gloria Pecego reside em Roterdā e há treze anos está na Europa; mas faz questão de manter um ateliê no Rio de Janeiro. A sua formação começou no Rio, onde estudou desenho, fotografia, escultura e se licenciou em artes plásticas; continuou na Austria, freqüentando a Sommerakademiee em Salzburgo. Por algum tempo cursou a Akademie voor Beeldende Kunsten de Roterdã, Holanda; e pelo longo período de oito anos a École Supérieure des Beaux Artsde Paris, concluindo o seu aprendizado formal. Mas a formação de um artista não se limita às escolas. A curiosidade de Gloria Pecego levou-a às seculares e célebres pedreiras de Carrara, na ltália, aproximou-a dos bons fundidores europeus e brasileiros. Tudo que está associado ao seu ofício é de seu interesse.

O currículo de Gloria Pecego nos dá provas de uma intensa atividade intelectual, pontilhado que está de exposições individuais, participação em salões de artes plásticas e mostras coletivas. Conquistou o seu lugar; se impôs. Na sua trajetória como escultora, Gloria talhou amadeira, esculpiu a pedra, fundiu em gesso, cimento e poliéster. Pesquisou os materiais na incansável busca da expressão associada à forma. A opção pelo bronze é o resultado desta procura.

O desenho é o ponto de partida. A gênese da obra se dá no plano. Na superfície do papel, Gloria Pecego avalia os contornos, esboça a estilização dos volumes, estuda as formas, representa assombras, deixando transbordar suas emoções. Pensa o barro e a sua plasticidade, como o compositor pensa o som dos instrumentos ao preparar a partitura. As formas surgem ganhando expressão: máscaras, animais, o sensual e sedutor modelado de um corpo feminino, se fundem à costilha de um alaúde, cravelhas se juntam às formas num sincretismo que não se dá ao acaso; ele é a aspiração de uma sonata desiderata; do som interdito.

A artista é atraída pela sonoridade e a plasticidade dos instrumentos musicais que, quando em repouso, silenciosos, guardamos sons que os identificam. Gloria Pecego se propõe a dar visualidade ao som; associá-lo ao volume. Seu propósito é criar uma atitude musical no espectador que contempla os seus trabalhos: a do músico capaz de ouvir interiormente uma partitura ao lê-la. Esta escuta interior, silenciosa portanto, estimula a reflexão em torno da forma e da expressão estética.

Mas não é a forma a idéia em si. A forma estética começa a sua existência quando a artista monta a estrutura; a armação construída de ferros soldados, arames e madeiras, que sustentará o peso inerte do barro modelado é decisiva para se alcançar o resultado desejado. Mas a escultura ganha expressão nas diversas fases por que passa durante a confecção do objeto. E fundamental que a artista acompanhe todas as fases, pois é na metamorfose que se alcança sua plenitude.

Fundido, o bronze recebe a pátina. Não há acaso nas sucessivas operações. A cor usada para patinar a escultura também está associada à busca da artista para alcançar o essencial.

Sobre o pedestal, a forma reserva todo a sua tensão para o espectador atento.

Comove.

Elmer C. Corrêa Barbosa

 

“E preciso contentar-se em descobrir, mas guardar-se de explicar“
George Braque, Le Jour et la Nuit

 

Primeiro a sua formação: Clara van de Water freqüentou a Rijksakademie voor Beeldend Kunsten de Roterdā, com Grègoire; estudou na Internationale Sommerakademie em Salzburgo e na Rijksakademie de Amsterdā. A exemplo de tantos outros artistas holandeses, buscou formar-se, adquirir domínio do ofício e conhecer a teoria. Depois sucederam-se as exposições individuais e coletivas em museus e galerias da Europa, tendo mostrado seu trabalho também no Brasil: em 1981 em São Paulo e, no ano seguinte, no Rio de Janeiro. Em todos os lugares por onde as suas esculturas foram apresentadas, a crítica as recebeu com entusiasmo. O diretor do Stedelijk SchiedamHans Paalman, referiu-se aos trabalhos de Clara como forma “límpida e direta.

Despida de mistérios, confronta a realidade de animais e seres humanos”. No Brasil, o crítico de arte Geraldo Édson de Andrade identificou, ao recepcionar a artista na exposição que fez no Rio de Janeiro (Galeria BANERJ), “evidente expressionismo em sua obra”, que viu como uma proposta para grandes espaços.

Impressiona a força expressiva da obra desta jovem artista; também a precisão técnica que as peças alcançam. Uma revelação de qualidade que se pode encontrar em qualquer uma delas.

Modelando diretamente a peça que servirá de molde à forma que irá para a fundição do bronze, Clara demonstra pleno domínio da técnica e do conhecimento do processo metalúrgico que resultará no objeto de arte acabado. Não há acaso, mas árduo trabalho. Clara van de Water não esboça em desenho suas peças. Trabalha direta modelando a cera, logo depois que apronta a estrutura metálica que sustentará a escultura. Seu trabalho surge progressivamente, como que espelhando a emoção contida pela artista. Clara nunca trabalha uma única peça, mas duas ou três simultâneamente: é o momento que a orienta, conta-nos sua amiga a artista Gloria Pecego, igualmente escultora.

O observador atento, ao ler cada uma de suas esculturas, constatará que o ponto de partida é a matéria-prima: a cera que ficará perdida depois da forma pronta para a fundição. A cera usada para a modelagem, Clara van de Water a prepara em seu ateliê: breu, parafina e cera de abelha devem ter uma certa consistência, para garantir o resultado desejado. A pasta consistente que se submete dócil à pressão dos dedos da artista e da expressão é, muitas vezes, cortada em lâminas que, emplacas irregulares, estruturam a obra. A forma que constrói por ímpeto, pertence ao ato de transcendência como um segundo momento; este momento é a gestalt. Para alcançar o resultado desejado é preciso, durante todo o processo de execução, ao manipular a matéria orgânica, não deixar escapar o resultado final esperado: a obra depois de fundida. Matéria e forma; substância e idéia não são pensadas em separado. Aparecem no objeto quando acabado, como aspecto de um único ato de criação; transcendente como resultado. As esculturas de Clara van de Water, independentemente do tamanho, sugerem ser estudos para monumentos colossais. Esta idéia nos é passada, precisamente, pela correta integração da matéria que constrói o objeto e lhe dá forma.

Animais, figuras humanas e formas abstratas que compõem o conjunto que a artista expõe: os espectadores podem perceber, sem esforço, que todas fazem parte da natureza. A forma exterior, revestida pela pátina obtida com banhos de ácido, exibe a textura do bronze; a forma externa existe em si, sem qualquer relação com algo interno. A artista parece evitar que a forma alcançada traduza algo mais íntimo e espiritual que o objeto em si. Suprimir os detalhes; negar a anatomia mas perenizar os movimentos, as estruturas monumentais, este é o resultado de seu trabalho. O volume-síntese de matéria e sentimento – é oque prevalece.

Elmer C. Corrêa Barbosa